Kitsch Glam Magazine

Dentro del panorama oscuro y frío que acecha a Escocia, la rutina laboral y las limitaciones económicas resultan sofocantes; no obstante las melodías de Camera Obscura son ese rayo de luz que disipa la neblina y trae cálidos recuerdos de las épocas doradas de Europa en los 60.

El pop de los (y las) de Glasgow, reluce al ser impecablemente aderezado por arreglos detallistas en los instrumentos de cuerda, los cuales conforman melodías sutiles y delicadas que destacan entre un mundo excesivamente ruidoso.

Los inicios de este quinteto escocés se remontan a 1996, aunque fue hasta el 2001 que debutaron con su primer álbum Biggest Bluest Hi Fi; después de dos producciones más: Underachievers Please Try Harder (2003) y Let's Get Out of This Country (2005); todas aquellas lanzadas bajo el sello español Elefant Records. Llega el cuarto disco, My Maudlin Career, esta vez lanzado por el prestigiado sello 4AD; un cambio de dirección probablemente para darse un empujoncito de alcance internacional o para hacer juego con el look sobrio que manejan.

My Maudlin Career hace referencia en el mismo título a una carrera débil y sentimentalmente efusiva: etimológicamente “Maudlin” es una alteración de María Magdalena, desde su representación como un llanto penitente.

En esta última producción, Tracyanne Campbell se desprende de la frivolidad sentimental al lograr encapsular el carácter vertiginoso del amor y la ruptura, en letras profundas, melancólicas y con ligeros tintes de sarcasmo; “Swans” mantiene el tono burlón y el sarcasmo con líricas atinadas “Oh you want to be a writer/ Fantastic idea.” Esta terapia de escritura da como resultado once canciones agridulces que ventilan los demonios internos de relaciones pasadas.

Con escuchar las primeras estrofas de “French Navy” uno se sabe en la década de los 60; acompañado por una melodía para bailar suavecito y con el deseo de experimentar la libertad de un amor a la francesa: apasionante y carente de límites; Camera Obscura muestra la exquisita naturaleza que yace en la esencia de su pop, ya de carácter maduro.

Con influencias de Dusty Springfield, Cat Power, Dion, Belle and Sebastian entre otros, su Rhythm & Blues es una constante influencia que sale a flote durante la totalidad del álbum; la inocencia de Campbell se entinta de azul en canciones como “You Told A Lie”, una pieza de pop solemne que constantemente es llevada al punto de quiebre por las vocales dulces y los arreglos suaves de los músicos en Camera Obscura.

Los fantasmas del desamor adquieren cuerpo en “James” y parece ser que los problemas personales de Tracyanne sirven de ayuda para enmendar cualquier corazón roto. “Oh, can't you see you belong with me?/ I could tell that you weren't well/ Oh, James. You broke me, I thought I knew you well” Una de las producciones más memorables de este álbum, resulta en un track cálido que pide ser escuchado en vinil.

En contraste con las creaciones pasadas de Camera Obscura, My Maudlin Career, se pinta como la producción más atormentada y oscura en su historia. Once canciones brillantes e introspectivas dan a conocer el lado amargo de Tracyanne, quien canta por haber perdido cualquier remota esperanza en el amor; pero el estar de por vida atormentada le ha dado frutos prolíficos, ya que claramente este álbum sitúa a Camera Obscura en la cima de su carrera: han logrado capturar la verdadera esencia de envejecer y lo han hecho de manera agraciada, al iluminar la escena musical actual y la llenan de optimismo elogiado a partir de sus penosas lágrimas.

Si bien para la banda las relaciones amorosas siguen siendo la neblina en su camino, los delicados arreglos musicales funcionan para quien los escucha a manera de deleite por el infortunio ajeno.
Así es Camera Obscura, desafortunados en el amor pero afortunados en el estudio.


Tracklist

1. French Navy
2. The Sweetest Thing
3. You Told A Lie
4. Away With Murder
5. Swans
6. James
7. Careless Love
8. My Maudlin Career
9. Forests And Sands
10. Other Towns And Cities
11. Honey In The Sun

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Tras escuchar su primer material discográfico, parecía lógico que la banda británica The Horrors, lanzaría un albúm cargado de los mismos sonidos extravagantes y sombríos que la caracterizaban, éstos se encontrarían acompañados por los graves gritos de Faris Badwan y los bruscos riffs que entonaban canciones con títulos como “Jack the Ripper”, “Sheena Is a Parasite” y “Death at the Chapel” pertenecientes al albúm Strange House lanzado en el 2007.

Cuando ya habían sido colocados en la selección de crudos y estruendosos, The Horrors pide una recatalogación. Primary Colours, el albúm que presentan este 2009, es un producto que contiene la misma fuerza que la banda presentó en su material del 2007, sin embargo ésta es canalizada en notas delicadas, melodías más elaboradas y nuevas letras que se desarrollan en escenarios oscuros -más no en soledad- y que además dejan espacio para el romanticismo.

Primary Colours fue grabado en el verano del 2008 en Bath, Inglaterra. Es lanzado por XL Recordings y producido por Geoff Barrow, integrante de Portishead. Precisamente, los secretos que Barrow imprimió en Third para renovar a su banda, son los que aplica en The Horrors: un sonido crudo y oscilante que a su vez hereda trucos de los Silver Apples, misterioso dúo neoyorquino de los sesenta.

Además de contar con buen material discográfico The Horrors ha sabido posicionarse dentro del mercado al utilizar no sólo su creatividad musical sino también su imagen y temática como herramientas de marketing, y es que es evidente notar cómo los aliases del baterista, Coffin Joe, el tecladista Spider Webb y el guitarrista Joshua Von Grimm pueden atraer a personas interesadas en ropa entallada, cortes raros de cabello, estoperoles y delineador negro.

Y aunque el grupo tiene un fuerte apoyo visual en una especie de nü-gothic, la metamorfósis los ha llevado a modificar sus videos: atrás quedan las imágenes grotescas, las cuales comienzan a ceder el paso a una imaginería compuesta por colores cálidos. En “Sea Within a Sea”, la nueva faceta visual de los ingleses establece una similitud con las presentaciones psicodélicas del Velvet Underground; ahora estilan peinados más convencionales, escenarios de una estética austera y un atuendo menos llamativo, para de esta manera colocar el look estrafalario y la vestimenta exagerada, en el pasado.

Considerado por revistas como NME como una de las más grandes sorpresas del 2009, Primary Colours coloca a The Horrors como un proyecto que evade la fácil catalogación al fundamentarse en lo más esencial: la música que ofrecen.

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¿Quién imaginaría que alguna vez el virtuosismo de Mozart podría ligarse a los pegajosos ritmos de Phoenix?... Sólo ellos mismos. Aún no conocemos exactamente los motivos o pretensiones de estos parisinos, pero podemos deducir que tanto Amadeus Mozart como Franz Liszt influyeron en el proceso de creación del nuevo disco, ya sea con sus deleitantes composiciones o con su ejemplo musical de actitud innovadora.

Así es como después de permanecer tres años lejos de los reflectores, al fin regresa la banda Phoenix, integrada por el vocalista Thomas Mars, el bajista Deck D'Arcy y los guitarristas Christian Mazzalai y Laurent Brancowitz. Y que además de sorprendernos con su reciente producción: Wolfgang Amadeus Phoenix - que se lanzará mundialmente el 25 de mayo - festeja al 2x1 tras anunciar el nacimiento de Loyauté, su nueva disquera.

El nuevo material fue grabado en Montmartre, Paris en el estudio de Philippe Cerboneschi (mejor conocido en la escena francesa como Philippe Zdar, integrante del dúo llamado Cassius) y contó precisamente con la participación de este reconocido personaje, quién se ocupó de darle un toque electrónico a las nueve canciones que conforman el disco, al igual que a finales de los noventa lo hiciera en los inicios de Phoenix con el álbum debut United.

El sonido de Wolfgang Amadeus Phoenix se aproxima al de United, probablemente por la intervención de Philippe Zdar en ambas producciones. Es agradable al oído y sin pretensiones, pero con mayor intensidad y rapidez. Sin embargo, comparado con su ultima producción It's Never Been Like That suena distinto. Es menos crudo y se nota una mayor libertad en la alegre experimentación y un afán de inventor despreocupado motivado por el simple gusto de crear música y nada más.

La particular voz de Thomas Mars sigue alegrando nuestros oídos como en los trabajos anteriores y sin duda no pierde ese inconfundible estilo tan fresco. Conforme avanza cada track de Wolfgang Amadeus Phoenix se convierte en una onda continua que nos eleva y aterriza a la par del volumen de sus explosivos coros.

“Lisztomania” es el corte que inicia con el recorrido, su nombre nos remite de nuevo a la época clásica, cuando el húngaro Franz Liszt innovó con su magistral técnica de tocar el piano. Fue el primer sencillo y quizás la canción más bailable del álbum, pues sin duda tiene notas altamente adictivas y coros pegajosos que corren fácilmente sobre los efusivos acordes de bajo y guitarra adornados con la batería. A este modelo se une “1901” con un toque similar en colorido. El lado más experimental de Wolfgang Amadeus Phoenix se hace notar con “Love Like a Sunset” mientras que la efusividad del baile baja con canciones como “Fences” y “Rome”.

Aunque Phoenix ha mostrado una faceta distinta y sin metas específicas, el álbum muy probablemente no será una revelación (como fuese el gran Mozart: quizás por eso el título). Es arriesgado compararse con grandes figuras en la historia, sin embargo, es cómico a su vez recalcar lo que comunmente se dice por ahí: “no hay nada nuevo bajo el Sol”. De esta manera, la libertad creativa de Phoenix ha quedado sin presiones.

Tracklist

01. Lisztomania
02. 1901
03. Fences
04. Love Like A Sunset Pt. 1 and Pt. 2 Fences
05. Lasso
06. Rome
07. Countdown
08. Girlfriend
09. Armistice


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La última producción del grupo Whitest Boy Alive, liderado por el polifacético Erlend Øye, saca al mercado su segunda entrega de estudio llamada Rules, donde la madurez comienza a anunciarse entre las notas de sus canciones.

Un disco que dibuja un concierto sobre un Iceberg; música fría tocada por sujetos pálidos con lentes de fondo de botella, sofisticados nor-europeos que no requieren desfiguros para volcar sobre las bocinas sus más intensos sentimientos.

Rules empareja géneros como Shoegaze y Downtempo con ritmos Indie para alcanzar tonadas de fuerza espectacular pero estética minimalista, incluso tímida.

Todo en esta banda parece contar una historia; desde su nombre que invoca un personaje (el niño más blanco del mundo, para los despistados) hasta el orden de los temas, en apariencia seleccionados para brindar un planteamiento, un nudo y un desenlace.
Con Øye siendo embajador mundial de los nerds-con-onda, no se puede esperar del disco sino una reivindicación del derecho a ser tímido. Pero los jóvenes que se escondían en una esquina oscura de la fiesta en el álbum anterior (Dreams, 2006) dan paso a un ñoño harto de jugar su papel.

El primer corte, “Keep a secret”, inaugura la obra con una historia privada que labrará su camino hasta las bocas ajenas, como si los músicos condenaran la propia intimidad de su arte a ser parte del inconsciente colectivo. Al compás de la gentil voz de Øye que canta “The door that you've opened/ The seal that you've broken/ You cannot shut now”, la canción marca su destino.

Un riff de guitarra abre “Courage”, la tercera pista del disco, donde nuestro niño más blanco del mundo hace una declaración de principios, respira profundo, se envalentona y declara sus intenciones para luego pedir correspondencia incondicional. Con intensidad, la canción da paso a sampleos llenos de energía bailable que clama una y otra vez un grito de batalla, “if you want me/ show some/ Courage”. La banda rompe la máscara que venía arrastrando desde su primer disco para mostrar un lado más duro, menos introvertido, un Whitest Boy Alive que trasciende los límites de su blancura dispuesto a invadir las pistas de baile antes reservadas solo para machos Alfa.

Imperioso, el contador del tocadiscos desemboca en el quinto corte, “Rollercoaster Ride”. Aquí el blanquísimo camina acompañado por una triste guitarra, reclamando al aire nocturno su persistencia en esperar señales de amor que no llegarán; “It's better that I believe/ That it's over/ Waiting everyday for a line/ For a sign from you.”

“Gravity”, tres pistas después, suena a resentimiento; la delicada melodía samplea las bases de una letra que se pregunta “But how long /can a cool cat keep his calm?”. Cada acorde define más la tranquilidad de quien se sabe timado y espera pacientemente el momento justo de contra atacar pues la venganza, dicen, se sirve fría.

El disco cierra con “Dead End”, un final incompleto, un callejón sin salida. El dilema que narró durante los últimos cuarenta y cinto minutos no tiene solución; el niño más blanco del mundo ha perdido, una vez más, el juego de las apariencias.

La última pista, “Island”, funciona a manera de epílogo. Un diálogo interno revela el regreso a la alienación, la soledad del espíritu donde el individuo está condenado, sin aspirar al contacto o a ser comprendido. Al final, como los suaves ritmos de Whitest Boy Alive nos susurran al oído, todos estamos atrapados en nosotros mismos.

Discos tan profundos como Rules piden a gritos ser escuchados muchas veces, digerir sus líricas, incorporar su música al soundtrack personal y, por fin, apropiarse de la historia que, magistralmente, cuentan a través de sus instrumentos. Sin lugar a dudas una producción que apela a los sentimientos de cualquiera, rompiendo barreras antes infranqueables y pocisionando a los nerds en lo más alto de la cadena alimenticia sonora.

Tracklist:

1. Keep A Secret
2. Intentions
3. Courage
4. Timebomb
5. Rollercoaster Ride
6. High On The Heels
7. 1517
8. Gravity
9. Promise Less Or Do More
10. Dead End
11. Island

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La nube de hongo se levanta tras una explosión nuclear; un estallido indiscreto cubre todo lo que le rodea, fugas multicolor distinguen el remolino que lo conforma; así es el efecto que Röyksopp –versión estilizada de la palabra noruega que usan para designar al hongo de humo- ha causado desde sus inicios en el 2001: un dúo que con electrónica downtempo y pigmentos de chillout hacen referencia a los tintes post-nucleares que su nombre alberga.

Dentro de su historia musical, este par de noruegos -Torbjørn Brundtland y Svein Berge- se dieron a conocer por la facilidad que tienen para crear paisajes sonoros; así desde la ciudad de Bergen en Noruega, se dejó ver el perpetuo estado de una ciudad en lluvia que cubre el álbum de Melody A.M. (2001), o la vida laboral nocturna que se entreteje con los compases en la producción de The Understanding (2005); con Junior (2009), la historia no es diferente.

Con un alma vieja pero aún con articulaciones funcionales, Röyksopp da a conocer Junior, primera producción de un lanzamiento doble; el cual se completará en un futuro, por Senior.

Ya sea para bailar enloquecidamente y mover las caderas sin pudor o simplemente para relajarse al lado de un martini y música bajita; la filosofía dualista que constituye este álbum ya se revela a lo largo de las 11 canciones que lo conforman.
Por un lado muestra este aspecto fresco y juvenil que atrae al nuevo público junior, así como consolida a los viejos fanáticos, ya seniors.

Röyksopp se vuelve elocuente con los sintetizadores y logra crear un perfecto balance para la tenacidad juvenil, con unas líricas marinadas –cortesía de artistas suecos como: Robyn, Lykke Li y Karin Dreijer de The Knife- que se enfocan, en su mayoría, hacia un aspecto amoroso y melancólico: “u're hiding from urself, guess u are, yes u are, like golden age of sun in the cloud, we want to be one, I know we are, if I am the sky, then u are my star”.

Su primer sencillo “Happy Up Here” es un tema colorido capaz de entumecer a las extremidades con las grandes dosis de ritmos bailables; entre risas maniacas y compases simétricos esta canción se vuelve un maravilloso preludio al resto del álbum.

Rápidamente nos encontramos con unos acordes sci-fi que hacen de “The Girl and the Robot” el segundo track con alcances intergalácticos del álbum, responsable de conferirle unas proporciones estratosféricas a dicha producción.

Mientras tanto en el otro lado de la moneda se encuentran piezas musicales opuestas y complementarias a la vez; tal es el caso de “Royksopp Forever”, pista instrumental que se aferra al pecho y debido a la extraordinaria crudeza, dificulta en ocasiones la respiración. “You Don’t Have a Clue” es otra producción que se une al lado oscuro de la moneda, ya que la voz exótica y cautivadora de Anneli Drecker se entreteje artesanalmente con los arreglos musicales del dueto noruego.

Como los alcances mismos que tiene una nube de hongo; efervescente y al mismo tiempo centralizada en un canal; así se define Junior de Röyksopp; una composición polifacética como las etapas adolescentes, pero que en su trasfondo carga con una sombra madura y un aspecto más pulcro.

Este aspecto dualista revela que Röyksopp es como ellos mismos lo dirían “un corazón viejo atrapado en un cuerpo joven”. En síntesis: una dualidad que se entenderá completamente hasta que Senior llegue a nuestros oídos.


TRACKLIST

01 Happy Up Here
02 The Girl And The Robot
03 Vision One
04 This Must Be It
05 Royksopp Forever
06 Miss It So Much
07 Tricky Tricky
08 You Don't Have A Clue
09 Silver Cruiser
10 True To Life
11 It's What I Want


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Si It´s Blitz! fuera un estado de ánimo probablemente los diccionarios lo definirían como: “el drástico cambio de la alocada adolescencia a la estable madurez”. Sería como una especie de metamorfosis, misma que hace posible que esta producción suene, se sienta y se vea distinta pero que a su vez, conserve el toque particular de los Yeah Yeah Yeahs.

Presionados por los fanáticos adictos a la red, los YYYs lanzaron su nuevo álbum It´s Blitz! antes de lo esperado, ya que previo a su exhibición oficial, varias páginas en Internet ya presumían haberlo hurtado de la incubadora.

Este álbum muestra a la banda en una faceta distinta a la que nuestros oídos estaban acostumbrados, en éste combinan sus sonidos más sucios con sus melodías más sutiles. La calidad continúa siendo impecable y la voz de Karen O, tan multifacética como en sus inicios. La producción está comandada por David Sitek (mejor conocido por ser miembro de TV on the Radio) quien ha producido los últimos álbumes de los YYYs, y también por Nick Launay, productor en el 2007 del último EP que lanzó el trio: Is Is.

Con It´s Blitz! la banda ha experimentado nuevas mezclas para reinventarse: las crudas distorsiones de guitarra de Nick Zinner son reemplazadas por sintetizadores que colorean la partitura y la agresiva voz de Karen O descubre su lado más bittersweet.

El disco abre con “Zero”, track elegido como carta de presentación del nuevo material. En éste, un bombardeo de loops electrizantes cae sobre la mente del escucha y da paso a la agridulce voz de Karen O, las explosiones se vuelven intermitentes y la batería, a cargo de Brian Chase, pretende usurpar el pulso. A lo largo de la canción los rasposos acordes se prolongan mientras un agudo coro sobresale, de un instante a otro los elementos se condensan y finalmente estallan en ácidas ondas sonoras.

Tras esa descarga de vibraciones, sigue “Heads Will Roll” dónde la voz con reverb y el beat bailable nos remontan inmediatamente a los años 70. La vibra futurista, el ritmo robótico y la insistente línea: “Dance until you’re dead” –Baila hasta estar muerto-, revela claramente su intención. Para calmar el ánimo entra “Soft Shock” una pieza tranquila en que la guitarra aporta el matiz necesario, mientras la voz moldea suavemente la melodía, golpe tras golpe cual escultor a su pieza. “Skeletons” continúa con la pasiva atmósfera en sonidos que hipnotizan al oído y con aires de himno esperanzador, la voz flota entrelazada de variadas percusiones a cargo de Chase.

En “Dull Life”, la guitarra de Zinner marca el ritmo, paso a paso aumenta su intensidad hasta que revienta en coros arremolinados, a la par que Karen O pronuncia desgarradoramente: “We sing the nightmare of the lies that you speak” –Cantamos la pesadilla de las mentiras que dices-, coro que por sí solo destila intensidad. Con la guitarra de protagonista y una vocalista sin pudor, “Dull Life” pierde el control y se altera del blanco al negro en cada estrofa. Por el contrario del corte anterior, “Shame and Fortune” no revela demasiado en su letra, su valor reside en la bien lograda discusión a destiempo entre guitarra y batería.

Llegada la parte final de It’s Blitz!, las colaboraciones se hacen notar y el primero en aparecer en la lista es el miembro de The Bird And The Bee, Greg Kurstin, quien en “Runaway” adorna y enfatiza la tristeza de la letra con su melancólico piano, mientras olas de sonidos orquestales irrumpen con vaivén durante la canción.

Los que continúan la lista de colaboradores (por orden de aparición) son los miembros de TV on the Radio: Tunde Adebimpe y Kyp Malone, vocalista y bataco respectivamente. Estos virtuosos músicos hacen de las suyas en “Dragon Queen” y aportan una contagiosa onda bailable cargada de pegajosos coros.

El cierre lo determina “Hysteric” que se torna dulcemente nostálgico con la voz que susurra “You suddenly complete me” –De repente me completaste-, y que al igual que “Little Shadow” reafirma la línea musical de It’s Blitz!: repleto de pasivas melodías en algunas partes y en otras con despuntes al estilo “Zero”.

Parece que en el 2009 vuelve el Blitz (conocido en tácticas de guerra como bombardeo relámpago), pero ahora el encargado de atacar al mundo será este trío neoyorkino. Pues con este impresionante regreso después de tres años de espera, parece que el método de experimentación prueba y error les ha funcionado bien: sus resultados nos demuestran que así como el tiempo cobra la vida de algunas bandas, no arrasa con la creatividad ni el talento de las mejores.

Ésta reseña no contiene links para descargar porque ... duh!!! ... no es dificil encontrar uno.

Fashion Weeks, personajes del jetset, top models, ropa de diseñador, pláticas superficiales, lujo excesivo, glamour y mucho sexo, son los pilares de inspiración para James Sontag, mejor conocido como Tiga, quien a tres años de su álbum debut Sexor (2006) dice Ciao! a la imagen del disc jockey desenfadado y ha vuelto con los ojos delineados, cejas depiladas, maquillaje, joyería y… un abanico –que recuerda a Locomía– en la mano derecha.

Después de covers a Nelly o Corey Hart, una enorme cantidad de remixes que incluyen hasta a la Oreja de Van Gogh, y un aplaudidísimo primer disco; el DJ y productor optó por los más “guapos” del dance-punk: –por segunda vez– los hermanos Dewaele (Soulwax) y James Murphy (LCD Soundsystem) son los productores encargados de Ciao!, editado en el propio sello de Tiga, Turbo Records.

Esta nueva producción del oriundo de Montreal, Canadá, incluye un repertorio de electro-house al estilo Pet Shop Boys lleno de fuertes beats (característicos del artista) aptos para el dancefloor. Inclusive algunas de las canciones tienen la duración y formato idóneos para ser mezcladas en vivo sin necesidad de las famosas versiones 12”.

“Beep Beep Beep” es la canción telonera. Con secuencias oscilatorias Tiga inicia sus glamorosos beats. Se agradece no tener un “Welcome to Planet Sexor” como en 2006, aunque este Ciao! incluye el sexoso y penoso “Sex o’ Clock”.

El fashionismo de Tiga, y su gusto por los zapatos, guantes y peinados, se manifiesta en el sencillo “Shoes”. Un track de imponente y adherente ritmo pero de absurda letra en la que el autor implora (en un tono fetichista) hacer de manicurista y peinador a la voz desconocida con quien hace dueto.

El videoclip, dirigido por el par AlexandLiane (Scissor Sisters, Mika, Ting Tings), muestra a un hombre y a una mujer en un talk show. La voz de él es interpretada por un personaje que recuerda al diseñador de modas Yves Saint Laurent, mientras que la de ella corre a cargo de la supermodelo Janine Henkes, quien aparece con un impecable y conceptual outfit. La estética de los ochenta, y los efectos de TV de bajo presupuesto –estilo Chavo del Ocho– dan el carácter kitsch que predomina en la obra de Tiga.

“What You Need” es el cuarto y más crudo corte del álbum, donde los sintetizadores alcanzan una mezcla de frecuencias que recuerda a aquellas utilizadas por Vitalic.

El clímax de la frivolidad llega cuando Tiga le canta al lujo y consumo en “Luxury”, “luxury is all I see/ when I close my eyes”, donde comparte créditos con Jason “Gonzales”.

Ciao! incluye un pequeño bloque de dos canciones más pop: “Turn The Night On” y “Speak, Memory”, en cuyos pianos, melodías de voces, efectos y ritmos dejan a Tiga a dos pasos de “Maniac” Flashdance o algún otro soundtrack de película ochentera estilo Top Gun.

El atractivo y brilloso Ciao! decae hasta el aburrimiento con las dos piezas finales. Un Downtempo con duración de seis minutos “Gentle Giant” y un track final de casi once minutos “Love Don’t Dance Here Anymore”, que inicia con un melodramático piano para convertirse en una canción de música disco.

A pesar de algunas fallas en el orden de temas, que muestran a este disco como una placa de sencillos más que una de disfrute -a manera de larga duración,- y canciones un tanto repetitivas, con Ciao! algo es claro, Tiga sabe con quién juntarse, y se ha vuelto un vanidoso músico que busca dejar a atrás a su generación electroclasher.

Tracklist

1. "Beep Beep Beep" (feat. Soulwax)
2. "Mind Dimension" (feat. Jori Hulkkonen)
3. "Shoes" (feat. Soulwax & Gonzales)
4. "What You Need" (feat. Soulwax, vocals: Jake Shears)
5. "Luxury" (feat. Gonzales)
6. "Sex O’Clock" (feat. James Murphy)
7. "Overtime" (feat. Soulwax)
8. "Turn The Night On" (feat. Gonzales)
9. "Speak, Memory" (with Jasper Dahlbäck and Phillipe Zdar)
10. "Gentle Giant" (feat. James Murphy)
11. "Love Don’t Dance Here Anymore" (feat. Soulwax)

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Poco antes de que el atormentado guitarrista Richey James Edwards desapareciera el primero de febrero de 1995, repartió un fólder al resto de los integrantes de los Manic Street Preachers. Éste se lo entregó al bajista Nicky Wire con fotocopias del mismo para James Dean Bradfield y Sean Moore. El expediente contenía haikús, collages y dibujos realizados por el caído personaje. Cuatro de estos escritos se convirtieron en la piedra angular para crear el álbum más brillante en la carrera del grupo: Everything Must Go (1996). En noviembre de 2008, la búsqueda fue concluida y se declaró oficialmente como “presumiblemente muerto”.

Tuvieron que pasar catorce años para que el contenido del citado fólder fuera desenpolvado y se convirtiera en el pretexto del último estudio de este conjunto galés: Journal for Plague Lovers.

La novena producción discográfica de los Manic Street Preachers rescata los contenidos ya mencionados para regresar a los tiempos de Edwards. Se trata de trece piezas nuevas con lírica de Richey, donde se abordan temas como el consumismo, el estatus de celebridad, el trastorno dismórfico y El Gran Odalisco del pintor Juan Augusto Ingres. Por lo mismo, se intuye este trabajo como si los integrantes aceptaran la pérdida irremediable de su excompañero tras catorce años de haberse desvanecido.

El resultado de este tributo es sorprendente. Journal for Plague Lovers se ha convertido en el material más sólido de los Manics en la presente década. Predomina un estilo punk melódico y transgresor, pero con instantes de equilibrio acertados en las baladas y arreglos que contrastan la intensidad. Sin adornos de sobra o regodeos, el trío ejecuta cada elemento con la pasión digna del personaje que les inspira.

El álbum es honesto, directo y conciso. La mayoría de sus canciones se mantiene en el rango de 2 a 3 minutos de duración. Al estilo de los tiempos de ‘Richey Manic’ en la banda, el sonido destaca los riffs de guitarra, pero a diferencia de antaño, los arrebatos vocales de Bradfield se dan con mesura. Al inicio, “Peeled Apples” ataca con una potencia que se diluye sin perder consistencia hacia el arribo de las dos siguientes “Jackie Collins Existential Question Time” y “Me and Stephen Hawking”. Durante las baladas “The Joke This Sport Severed” y “Facing Page: Top Left”, resalta la melancolía de los integrantes aún presentes, en la difícil tarea de adaptar el último trabajo que se conoce de Edwards.

El proceso de Journal for Plague Lovers no fue fácil para el ahora trío galés. Tal situación se refleja a la mitad del álbum cuando se torna repetitivo y hasta predecible. “Marlon J.D.” y la homónima al título de la placa (“Journal for Plague Lovers”) no logran adherirse al inconsciente con facilidad y se esfuman al llegar a instantes de mayor lucidez. Otros momentos como “She Bathed Herself in a Bath of Bleach” ilustran los instantes de desesperación que vivió Richey durante su estancia en clínicas; por lo tanto, al momento que los Manics quisieron traducir el sentimiento en música se quedaron cortos.

Los mejores momentos captados en el estudio fueron reservados para el final. La estructura de las tonadas y la puntualidad de los arreglos –junto a las letras tan absorbentes del desaparecido miembro- dan la impresión de integrar las creatividades de un cuarteto que aún trabaja en colectivo. “All is Vanity” sigue la metronómica percusión de Sean mientras que “Pretension / Repulsion” libera las exclamaciones reprimidas por James Dean B., el dolido vocalista. “Virginia State Epileptic Colony” explora las facetas de Nicky Wire desde un bajo ligeramente “new wave” y pianos que sobresaltan sampleos de voz –mismos que se encuentran en diferentes momentos del álbum-; sin embargo, la pieza más contundente en este “diario de amantes de la plaga” es el cierre.

Entre los diferentes textos contenidos en el fólder, uno fue el que causó mayor conflicto para James Dean Bradfield, aquel con mayor semejanza a una nota suicida. Aunque le provocara un nudo en la garganta, Nicky Wire desmiente esta aseveración y fue el encargado de componer la música para “William’s Last Words”. Frases como “… I’d love to go to sleep and wake up happy / yeah I am really tired…” (Me encantaría ir a dormir y despertar feliz / me siento muy cansado) provocan una interpretación fatal para el único tema del álbum que supera los cuatro minutos. Su acelerado bonus track “Bag Lady” enlaza la pérdida con la esperanza desde su inicio con la frase “… I am not dead” (No estoy muerto), para asi regresar al punto de inicio.

Cuando los Manics perdieron a Richey James Edwards en 1995, también perdieron una parte de su esencia. Al ser declarado Richey como “presumiblemente muerto”, el trío reabrió tal expediente para honrar por última vez a su compañero caído. Journal for Plague Lovers es un gran trabajo que resalta los mejores elementos a lo largo de una trayectoria de casi 25 años, pero también pone en perspectiva sobre qué tanto hace falta Richey para que los Manic Street Preachers preserven la vigencia y calidad que les distinguió en su época. Tal parece que el luto por Richey James al fin se ha levantado.

Track List

01.Peeled Apples [03:34]
02.Jackie Collins Existential Question Time [02:24]
03.Me And Stephen Hawking [02:47]
04.This Joke Sport Severed [03:04]
05.Journal For Plague Lovers [03:45]
06.She Bathed Herself In A Bath Of Bleach [02:18]
07.Facing Page: Top Left [02:40]
08.Marlon J.D [02:50]
09.Doors Closing Slowly [02:52]
10.All Is Vanity [03:34]
11.Pretension / Repulsion [02:05]
12.Virginia State Epileptic Colony [03:25]
13.William's Last Words [04:19] .
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(Powerhouse Books, 2009)
http://dnots.com/


“La noche oscura del alma” es un tratado escrito por San Juan de la Cruz, en el cual describe un proceso del mismo, donde un orador habitual es abandonado por Dios y siente que sus rezos no son escuchados. Durante esta noche oscura, el devoto debe de buscar a Dios no por el éxtasis asociado con las virtudes religiosas sino por su amor incondicional. Es el camino hacia el creador a través de la negación espiritual.

Al observar cualquier material del director y artista visual David Lynch, podemos notar de manera clara que él entró en la noche oscura hace mucho tiempo y aún no ha logrado salir. Desde Eraserhead hasta Inland Empire, Lynch nos ha mostrado una América profunda. El país de los blancos marginados por la pobreza y la ignorancia, de las vixens de las carreteras solitarias, de los freaks y sobre todo de él mismo. Lynch creció en Missoula, Montana en los años cincuenta, una época donde los EE.UU. gozaban de una riqueza y prosperidad tras salir victoriosos de la guerra. Los suburbios crecían y la gente compraba, claro, en las grandes ciudades de ambas costas, y no en Missoula, donde esa gente olvidada aun vivía.

En la primera estrofa de su tratado, San Juan declara: “En una noche oscura,/con ansias en amores inflamada,/(¡oh dichosa ventura!)/salí sin ser notada,/estando ya mi casa sosegada.” Este sentimiento se transmite a lo largo de las obras de Dark Night Of The Soul un disco de estudio producido por Danger Mouse y Sparklehorse y cuya representación visual corre a cargo de David Lynch.

Al igual que el cineasta, estos dos músicos surgen de orígenes igualmente esotéricos. (Es decir, su mensaje no es comunicado más que a un corto número de sus discípulos). Brian Joseph Burton alias Danger Mouse es un productor que ha colaborado con artistas que van desde el rapero MF Doom (en su proyecto DangerDoom) hasta The Good, The Bad and The Queen, además de ser el cerebro y la mitad (junto con Cee-Lo Green) del proyecto Gnarls Barkley.

Mark Linkous, mejor conocido como Sparklehorse, es un músico cuyo éxito moderado en los noventa lo llevó de gira como acto abridor de Radiohead. Durante dicha gira, el artista tuvo una sobredosis, mezcla de antidepresivos, valium, heroína y alcohol en la cual permaneció inconsciente por catorce horas; experiencia que lo llevó a crear una música oscura y etérea. Ha trabajado con figuras como PJ Harvey y Tom Waits y producido álbumes para Death Cab for Cutie y Daniel Johnston.

Por si el aire de misterio alrededor de esta producción aun no fuera suficiente, es muy probable que Dark Night Of The Soul jamás esté disponible en las tiendas. Debido a una disputa con la disquera EMI, a los músicos no les fue permitido lanzar su disco. Por lo tanto, uno sólo puede comprar un libro, ilustrado por más de cien páginas con fotografías de David Lynch que incluye un CD-R en blanco estampado por una nota que lee:

“Por razones legales, este disco no contiene música, úsalo como desees.”

Aunque el álbum no se difundirá por los medios tradicionales, ya está disponible en diversos blogs y Torrents listo para ser quemado en los discos proporcionados de manera amable por Danger Mouse y Sparklehorse.

El recorrido de la obra en audio comienza con “Revenge” en la cual colabora Wayne Coyne (vocalista de los Flaming Lips). Esta canción establece el tono sombrío que se enfatiza a lo largo de todo el trabajo. Otra pieza notable es “Little Girl”, cuyas vocales corren a cargo de Julian Casablancas y su ya característica voz apática. El corte número cinco es “Angel’s Harp” con Black Francis, en lo que quizás es la canción más oscura del álbum entero, la cual nos remite a la época dorada del Grunge. Justo después viene “Pain”, que corre a cargo de Iggy Pop. En un intento lamentable por evocar la voz de un punk de 17 años, Pop entrega lo que podría ser la única canción mala del disco.

Después de pasar por este trío de canciones que podrían agruparse como “Punk”, siguen temas notablemente más tranquilos como “Daddy’s Gone” en la voz de Nina Persson. Este corte nos remite al sonido folk/depresión de la bandas de Omaha como Rilo Kiley (antes de su última entrega) o Bright Eyes. Para concluir, Vic Chesnutt canta en la treceava canción que lleva el mismo nombre que el álbum, “Dark Night Of The Soul”. Es una hipnotizante mezcla de loops de guitarra y una voz distante con un reverb que podría pertenece más en una canción de dub que de rock pero que le da un aire espeluznante. Un final sólido para un disco consistente casi de principio a fin.

A medio milenio de la escritura de “La Noche Oscura del Alma” de San Juan de la Cruz, el ser humano continúa sintiéndose abandonado por diversas figuras que él considera fundamentales en su vida. La noche oscura nos acompaña, y ahora, que mejor que un soundtrack hecho para musicalizarla.